RONNIE WOOD — BUENOS AIRES, 6 DE NOVEMBRO DE 2026

| Foto: Prensa |

| De Buenos Aires, Márcio Grings |

Antes do fim do estado das coisas, que venha o último sopro dos velhos tempos. The last men standing. Bem sabemos que, aos poucos, a fileira das lendas vivas diminui. Os mais talentosos, fortes, resilientes ou sortudos seguem avançando em pleno século XXI, tempos em que o modelo adotado pelo rock e pela indústria musical no século anterior foi implodido. E, partindo desse recorte específico de época — people are crazy and times are strange —, cá estamos em Buenos Aires, no Movistar Arena, em uma das capitais mundiais do rock.

A capa do jornal Clarín do dia anterior ao espetáculo — com duas chamadas relacionadas ao rock — revela um território onde o gênero ainda é a bola da vez: "Un Stone suelto en Buenos Aires" e "El Papa, con un Nobel encapuchado". Sim, Ron Wood passou pela capital argentina, gravou uma participação no programa de TV Otro Día Perdido, assistiu a um show de tango e realizou seu espetáculo. Enquanto isso, na mesma semana, o bardo encontrou o Santo Padre, que, no domingo (8), visita a terra natal de seu antecessor. E não há distopia alguma em nenhuma das notícias.

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Bem, se os Rolling Stones não estão na estrada, Ronnie tem a alforria para girar pelo mundo com o quinhão que lhe pertence. A etapa europeia da turnê Fearless teve uma dúzia de apresentações entre julho e setembro. Chegamos a novembro, depois de passar por São Paulo (1°), Buenos Aires — a capital mundial do rolingas — recebe mais um compromisso sul-americano, seguido por Rosário (8) e Santiago (10). A gig pega carona no álbum duplo Fearless: Anthology 1965–2025 e traça um panorama de seis décadas da trajetória de Ronnie — baixista no Jeff Beck Group, guitarrista no Faces e nos Stones e, disparado, uma das figuras mais carismáticas do rock britânico. Não estamos falando de uma simples coletânea de sucessos, o disco revisita sua formação musical até a consagração, passando por sete álbuns solo e apresenta faixas inéditas. Mais do que uma turnê qualquer, eis a oportunidade (talvez única) de ver um Stone em carreira solo no país onde já desembarcou tantas vezes com a Nave-Mãe, num espetáculo que atesta sua notoriedade e talento. 

O SHOW

Às 20h em ponto, a banda de Juan Sebastián "Juanse" Gutiérrez, os Ratones Paranoicos, incendeia o público com 35 minutos de clássicos do rock argentino, executados pela mais argentina das bandas argentinas. O show de abertura acertou o tiro no alvo. "Ceremonia en el hall", "Ya morí", "Rock del pedazo", "Vicio" e "Rock del gato" soam como hinos nacionais do cânone cantado em espanhol. Uma curiosidade: para muitos, Pablo "Sarcófago" Cano (guitarra e vocais de apoio) até lembra fisicamente Mick Taylor — ou uma estátua de cera barata do ex-guitarrista dos Stones, justamente o antecessor de Ronnie. Foi um breve e ótimo aquecimento para o que viria em instantes. Os Ratones conhecem como poucos o dialeto stoneano e, diante de uma plateia que também o domina, não precisaram de grandes apresentações. O público estava pronto para receber a esperada atração em letras graúdas no cartaz. 

Passados dois minutos das 21h, Ronnie entra dançando e agitando no palco e obviamente é ovacionado. IT'S ONLY ROCK 'N' ROLL (BUT I LIKE IT) é um cartão de visitas biográfico e legítimo. Embora seja um dos maiores clássicos dos Stones, a gênese da música passa diretamente por Wood: a primeira gravação foi feita em sua casa em Londres nos anos 1970, The Wick, antes de Wood ser oficialmente um Rolling Stone. Mick Jagger e Keith Richards participaram das sessões do primeiro LP solo de Ronnie na mesma época. Portanto, o guitarrista pode reivindicar partículas do DNA dessa música sem precisar roubar o sobrenome Jagger-Richards. As letras miúdas dessa história sugerem que "It's Only Rock 'n' Roll" também carrega um pedaço da assinatura de Wood, embora os créditos oficiais digam outra coisa. Nada mais justo que o show comece justamente nesse encontro. O Movistar Arena, lotado (15 mil pessoas), ondula em uníssono no país onde os Stones sempre estiveram em casa.

Foto: Martin Bonetto

AM I GROOVING YOU não é uma simples releitura, mas um dos ápices do repertório solo de Ronnie. Ao vivo, o final ganha um arranjo diferente, mais longo ao final, com uma virada diferente. A original é de Freddie Scott, porém Wood a gravou em I've Got My Own Album to Do (1974), numa versão com Mick Jagger, Keith Richards, Ian McLagan, Willie Weeks e Andy Newmark. A presença de WILLIE WEEKS, conhecido pelo groove refinado e pela extraordinária versatilidade, salta aos olhos e ouvidos. Ele toca sorrindo e flutuando em "Am I Grooving You", de maneira quase mântrica, como fez em tantas gravações históricas. É um daqueles instrumentistas que parecem não precisar impor absolutamente nada, tudo fui naturalmente nele. É um dos gigantes no seu instrumento. 

TAKE IT EASY, canção de Hopeton Lewis, clássico jamaicano do rocksteady, reaparece agora em Fearless e casa perfeitamente com a estética da obra de Ronnie, que canta emulando os trejeitos jamaicanos, com a boca fofa, como um velho sem a dentadura, aparentemente displicente, mas repleto de malandragem. Pura festa. Seu registro nasal, por vezes próximo ao de Bob Dylan, parece especialmente adequado a esse tipo de repertório. FLYING, primeiro Faces da noite, joga luz sobre CHANEL HAYNES. A cantora norte-americana ganhou projeção no trio gospel/R&B Trin-i-tee 5:7 e interpretou Tina Turner no musical londrino dedicado à cantora. Em 2022, estreou com os Rolling Stones cantando "Gimme Shelter" na estrada, retornando à banda na Hackney Diamonds Tour (2024). Chanel é uma cantora impressionante. Não apenas canta: atua. Tem uma expressão corporal completa no palco e, mesmo quando está em silêncio, dança, sorri e se movimenta com graça, e assim ocupa um espaço dramático como atriz no percurso do espetáculo.

Foto: Martin Bonetto

HEY NEGRITA, outro extrato stoneano com as digitais de Wood, uma de suas primeiras contribuições autorais para os Stones, no álbum Black and Blue (1976), agita o público a ponto de fazer toda a arena sacolejar. Eu, que estou na grade da pista traseira, sinto a pressão dos rolingas. É interessante perceber como Ronnie atravessa diferentes matizes da música jamaicana durante o espetáculo, do rocksteady de Hopeton Lewis ao reggae-funk incorporado à linguagem dos Stones. Em SEVEN DAYS, música que Bob Dylan entregou de bandeja para Ronnie, o público canta a letra desde os primeiros versos. JOHNNY LEE SCHELL proporciona que Wood inverta os papéis que costuma desempenhar com Keith Richards nos Stones. Dessa vez, é Johnny quem assume boa parte do trabalho pesado, enquanto Ronnie dispara seus acordes de gaveta e se diverte com o público. Schell iniciou a carreira trabalhando com Norman Petty, produtor de Buddy Holly. Por intermédio do saxofonista Bobby Keys, aproximou-se do universo dos Rolling Stones e Faces. Também construiu uma longa parceria com Bonnie Raitt. Na Ammo Band, é o parceiro perfeito para amarrar as guitarras numa trama em que cada espaço encontra seu encaixe.Ao final de "Seven Days" Ronnie diz ao público: "Vocês são a melhor plateia do mundo". 

Em REMEMBER (WALKING IN THE SAND), releitura das Shangri-Las, temos uma ótima escolha para costurar o repertório e apresentar uma atração especial. A introdução parece se estender além do previsto. Ronnie procura com o olhar, nas laterais do palco, a artista convidada da turnê, prolonga os primeiros acordes e logo surge a atrasada e sorridente IMELDA MAY. A cantora irlandesa transita entre rockabilly, blues, jazz e soul. Sua ligação com Ronnie Wood vem da admiração mútua pelo blues e pelo rock clássico, que os levou a dividir palcos e gravações. Há uma cumplicidade evidente entre os dois. Imelda esbanja talento e sensualidade. 

Foto: Martin Bonetto

YOU'RE SO FINE, dos Falcons, recupera a tradição do R&B que alimentou o rock britânico dos anos 1960, matéria-prima que municiou o jovem Ronnie. É incrível observar a tranquilidade e estabilidade de ANDY NEWMARK, baterista que integrou o Sly & The Family Stone e participou de Fresh (1973), um marco do funk. Seu currículo inclui gravações com John Lennon, George Harrison, David Bowie, Pink Floyd, Eric Clapton e Rod Stewart. Assim como Willie Weeks, acompanha a trajetória de Ronnie Wood desde I've Got My Own Album to Do (1974), há mais de meio século. A dupla oferece um alicerce rítmico monumental, capaz de alternar a delicadeza de um soul com a sujeira necessária a um rock de garagem. E tudo isso sem que pareçam fazer qualquer esforço.

BABY WHAT YOU WANT ME TO DO, clássico de Jimmy Reed, é um daqueles blues revirados mil vezes por uma legião de artistas e, aqui, surge com os desenhos vocais de Imelda e Chanel. A interpretação não busca reinventar a roda, apenas fazê-la girar como nos melhores tempos. É o tipo de música que explica boa parte da formação musical de Ronnie e de sua geração, quando um blues vindo do outro lado do Atlântico podia mudar definitivamente a vida de um adolescente britânico. Vale lembrar de Mr. Luck - A Tribute to Jimmy Reed: Live at the Royal Albert Hall, álbum duplo totalmente dedicado ao lendário bluesman. O solo de gaita minimalista — bem ao estilo Jimmy Reed — leva a audiência ao delírio. 

). Foto: Movistar Arena

MYSTIFIES ME é certamente uma das marcas mais poderosas da carreira de Ronnie. Ela se distancia do espírito festeiro e desregrado da persona do guitarrista. É uma canção confessional, marcada por um sentimento de perplexidade diante do amor — como se Wood, acostumado a lidar com a confusão de uma vida desregrada, finalmente encontrasse algo que não consegue explicar. A versão do Movistar Arena ganha ares gospel com os contornos vocais de Chanel e Imelda, o que empresta um sabor das vozes femininas de Exile on Main St. (1972). Há certa solenidade nesse momento, um intervalo de delicadeza em meio à festa. Vejo lágrimas entre os próximos. Logo depois a bola quica mais alto com RIVER DEEP, MOUNTAIN HIGH, o momento mais impactante de Chanel Haynes, quando ela consegue evocar Tina Turner com uma eficiência invejável e emocionante. Não se trata apenas de potência vocal, mas de presença cênica, de saber conduzir uma música monumental sem ser esmagada por sua própria história. Eu fico embasbacado com a potência dessa versão. 

No início de SHOW ME, Ronnie chega a adiar a entrada da música porque o público insiste em vocalizar o riff de "Satisfaction". Provocado, ele próprio toca o primeiro toque do som. O guitarrista observa a manifestação, e parece se divertir. É uma daquelas situações que só acontecem num país onde o repertório dos Stones adquiriu uma espécie de cidadania própria. O barulho é ensurdecedor e mostra a força poderosa dos argentinos num espetáculo desse gênero, o que faz desse público um dos melhores do rock, como o próprio guitarrista diz ao microfone. "Show Me" é uma das peças mais embaladas de sua discografia solo e cai como uma luva no contexto do espetáculo, reafirmando que existe uma obra relevante de Ron Wood para além dos grupos que ajudou a construir.

COUNTRY HONK e CAN'T YOU HEAR ME KNOCKING são Stones anteriores à entrada de Ronnie. Isso é curioso. "Country Honk" vem de Let It Bleed (1969), e "Can't You Hear Me Knocking", de Sticky Fingers (1971). Portanto, Ronnie está tratando o catálogo dos Stones como parte de sua própria história musical, e não apenas tocando músicas das quais participou originalmente. Em "Country Honk", o público argentino assume com entusiasmo o coro da canção, transformando o tema numa celebração coletiva. A jovem Mera Royle, rabequista convidada, resgata o tom caipira do álbum "Let It Bleed" (1969). Já "Can't You Hear Me Knocking" é um dos grandes momentos instrumentais da noite. Em vez de tentar reproduzir literalmente a monumental intervenção de Mick Taylor na gravação original, Wood encontra outro caminho, abrindo espaço para uma dinâmica de guitarra, ritmo e uma harmônica que pega um caminho paralelo ao sax de Bobby Keys na versão de estúdio, o que preserva a tensão da música sem transformá-la numa cópia de museu. É o tipo de escolha que revela inteligência musical e respeito pelo passado. Nemhum refrão foi cantado mais alto no Movistar Arena. 

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OOH LA LA, parceria de Ronnie Lane com Wood, é um extrato precioso do álbum homônimo e uma das músicas que se tornaram símbolos do Faces. A versão da turnê é mais relaxada, amparada pelos vocais de Chanel e Imelda e sombreada pelo coro do público argentino. Há uma simplicidade desarmante nessa canção, uma melancolia escondida sob uma melodia aparentemente despretensiosa. Talvez seja um dos momentos em que a passagem do tempo se manifeste de maneira mais sensível: o jovem que cantava sobre a sabedoria dos velhos agora ocupa, ele próprio, esse lugar. Ronnie a canta com orgulho e num tom devocional. Sempre foi uma das minhas preferidas. 

Fonte: Instagram Chanel Haynes

CHAIN OF FOOLS, clássico do soul consagrado por Aretha Franklin, devolve o protagonismo às vozes femininas, com uma interpretação que combina reverência e vigor. O repertório segue revelando as diferentes camadas da formação de Wood, transitando pelo blues, pelo soul e pelo R&B sem perder o eixo do rock'n'roll. Do mesmo modo referente às suas origens, BOOGIE DISEASE, um blues de pegada boogie, recupera as pedras fundamentais que ajudaram a forjar Ronnie como guitarrista. É o tipo de música que o remete aos primeiros encontros com o blues elétrico, quando o ritmo, a repetição e a sujeira dos amplificadores valiam tanto quanto qualquer virtuosismo. 

Em I CAN FEEL THE FIRE, do primeiro álbum solo, o encontro entre o balanço roqueiro e a influência jamaicana ajuda a explicar como Ronnie desenvolveu uma linguagem própria, sempre atravessada por músicos e estilos diferentes. O mesmo espírito aparece em OUTLAWS, um rock de inspiração chuckberriana, daqueles que recuperam as pedras fundamentais de sua formação como guitarrista. Wood toca como alguém que conhece a gramática do gênero e, por isso mesmo, pode revirar ao seu modo as páginas dessa cartilha.

Foto: Recitales em Argentina

No bis, Ron Wood retorna com a camisa da seleção argentina, apenas ele e a guitarra. Nem é preciso mencionar a reação do público. Nesse recorte final, o guitarrista faz uma espécie de mashup com riffs e temas de sua história como músico, recuperando timbres e desenhos que remetem à época do Faces, como em "That's All You Need", para chamar na chincha DUST MY BROOM, clássico de Elmore James. É quase uma pequena autobiografia executada nas seis cordas, sem discursos, notas de rodapé ou explicações. Na sequência, um trecho de GASOLINE ALLEY, de Rod Stewart, recupera outro capítulo essencial daquela Londres em que rock, folk e blues dividiam o mesmo balcão de bar.

Coladas uma a outra, o pacote se encerra com toda a banda e as vocalistas em STAY WITH ME, um dos grandes hinos do Faces, escrito por Ronnie Wood e Rod Stewart. A execução preserva a identidade original, sua urgência e seus irresistíveis atropelos rítmicos. ANDY WALLACE, nos teclados, recupera os desenhos e as viradas que remetem diretamente ao que foi gravado em A Nod Is as Good as a Wink... to a Blind Horse (1971), o melhor registro de estúdio do Faces. Em "Stay With Me", todos encontram seu lugar numa celebração coletiva, com a banda acelerando rumo ao desfecho e o público respondendo à altura.

Foto: Movistar Arena

Ronnie Wood conseguiu transformar a noite desta sexta-feira em uma síntese de sua vida artística, costurando influências, personagens e canções com a naturalidade de quem ainda encontra prazer em cada palhetada na sua guitarra. Buenos Aires, onde o Stone se sente em casa, ofereceu o cenário perfeito: uma plateia calorosa, uma banda extraordinária e uma daquelas noites em que tudo parece estar no lugar certo. Fica agora a expectativa pelo lançamento de um álbum ao vivo da turnê, que vem sendo devidamente registrada. Afinal, enquanto a fileira das lendas vivas diminui, alguns dos últimos sobreviventes seguem nos lembrando de que o rock ainda encontra público e interesse no Século XXI. Um sopro dos velhos tempos em dias onde tudo soa tão insosso. Grato, Ronnie e Ammo Band! 

Agradecimentos aos parceiros de viagem: Lúcio Brancato, Gustavo Telles, Marcelo Tajes, Cristiano Radtke e Vinícius Brum (muitas das conversas pós-show estão pinceladas neste review). 

ROBERT PLANT — PORTO ALEGRE, 19 DE MAIO DE 2026

| Por Márcio Grings |

Terça-feira, 19 de maio de 2026. Robert Plant está na cidade. Não há possibilidade de eu não encontrá-lo esta noite. Vale o bordão: "sempre me arrependi dos shows que deixei passar". Não deste. Prova disso é que, meia hora antes do início da apresentação, cá estou, procurando meu lugar no Auditório Araújo Vianna. Quem sabe você e Percy pudessem ter se encontrado antes do show, já que o cantor foi visto passeando pela capital gaúcha. Não desta vez... Apaixonado por futebol, conheceu o Beira-rio, visitou o museu do clube e comprou uma camiseta e um moletom do Internacional. 

Não houve credenciamento para a imprensa independente, por isso as poucas imagens desta resenha foram clicadas pelo meu insuficiente Samsung A13. O ingresso, assim como o dos meus amigos, foi negociado com um cambista. A vida: perdas e ganhos. Mas, de fato, hoje a noite é às ganhas.

A segunda passagem do lendário vocalista do Led Zeppelin por Porto Alegre — antes, esteve no Gigantinho, em outubro de 2012 — leia review AQUI — possui todos os elementos para se consagrar como noite histórica. Contudo, não há escapatória para Robert Plant, pois muitos dos fãs que vieram até aqui estão em busca de outro homem. Quem sobe ao palco hoje, aos 77 anos, definitivamente não sobrevive da lenda que ajudou a mitificar, pois seguiu adiante. Ao longo da apresentação, quando o público insistentemente pede “Rock and Roll”, Plant responde com um sorriso irônico e um bordão: “Tudo o que vocês ouvem aqui é rock and roll”. A faixa 2 do lado A do Led Zeppelin IV não seria tocada; outras duas, sim, além de revisitações aos álbuns Led Zeppelin II e III. Também aparecem no repertório antigas canções de domínio público, folk, gospel, blues e temas da carreira solo do artista inglês e algumas surpresas inesperadas. A escada que nos leva ao céu de Robert Plant não é mais a mesma. E isso revela uma maturidade artística que já vem de longa data.

Saving Grace, banda que o acompanha nos últimos anos e o leva à estrada nesta temporada, está com um disco homônimo circulando há poucos meses. Cada instrumento no palco tem seu momento de brilho, mas eles reluzem mais intensamente juntos: Suzi Dian (voz, acordeon e baixo), Tony Kelsey (guitarra), Matt Worley (banjo, violão e voz de apoio), Barney Morse-Brown (violoncelo) e Oli Jefferson (bateria).

As luzes se apagam às 21h05 e ouvimos um tema incidental do músico egípcio Hamza El Din (1929–2006), cortina orientalista que introduz a miscigenação dos arranjos ouvidos a seguir. O show começa com “The Very Day I’m Gone”, de Nora Brown, um dos novos prodígios da música folk norte-americana. Plant e Suzi cantam em dueto e aqui fica claro: são vozes que se enovelam perfeitamente. Quando harmoniza ou oferece apoio ao cantor, Suzi não canta para a plateia — ela volta os olhos para Robert. Sua postura é solene e discreta. Esse jogo de olhares, com ambos trocando carinhos e toques de mãos, é uma das marcas reverenciais e intimistas da noite. O mesmo ocorre na tradicional “The Cuckoo”, oriunda da tradição oral das antigas baladas inglesas e escocesas. Perceba que a bateria está à direita do palco, deslocada; ao centro, vemos o banjista Matt Worley, um dos destaques dessa banda incrível.

“Higher Rock”, de Martha Scanlon, é o primeiro grande momento de Suzi Dian como voz principal, intercalando o protagonismo com Plant, que arrebenta no solo de gaita. “Ramble On” é a primeira pedra zeppeliana na moleira, com Plant trazendo o viés acústico do grupo (paleta de cor dessas escolhas). Suzi ataca no acordeon, apagando do arranjo as guitarras barulhentas de Jimmy Page. Ao fim, o público ruge alto em celebração.

Em dueto, outro traditional surge no setlist, “As I Roved Out”, antiga balada irlandesa. Mas é quando Suzi assume a voz principal de “Orphan Girl”, de Gillian Welch, que chegamos a outro pico da noite, com Plant apenas no apoio da cantora. É uma das músicas mais aplaudidos do show. Na ótima “Let the Four Winds Blow”, do álbum Mighty ReArranger (2005), Suzi toca baixo. Num modelo onde a força elétrica é sublimada pelo acústico, Tony Kelsey faz um solo impecável na sua guitarra.

“Four Sticks”, uma das revisitações favoritas de Plant ao repertório de sua ex-banda, soa perfeitamente ajustada à estética do Saving Grace. É uma guinada oriental no ambiente exótico das forças modais. A letra permanece enigmática: “Entre os pinheiros / Onde o sol nunca brilha / Sentimos um calafrio quando o vento frio sopra”.

Foto: Márcio Grings

Contudo, um dos verdadeiros calafrios — de emoção — vem em “It’s a Beautiful Day Today”, da banda californiana Moby Grape, uma das preferidas de Plant e que ganhou um belo clipe de divulgação. Aqui percebe-se uma das grandes virtudes dessa formação: as dinâmicas, o violão de aço soando cristalino — uma guitarra invisível —, instantes de vozes quase à capela e as mãos de Robert e Suzi se tocando como símbolo do carinho entre ambos ao final da canção.

“Calling to You” é uma das minhas canções favoritas de um dos meus discos preferidos de Plant: Fate of Nations (1993). O arranjo atual traduz com mais proficiência a intenção do espetáculo, descolando-se da encarnação zeppeliana do álbum onde foi gravada originalmente.

“Angel Dance”, releitura de Los Lobos regravada no álbum Band of Joy (2010), eleva o astral com seu tempero pop. E eis que chegamos ao momento mais surpreendente da noite: a versão de “For the Turnstiles”, originalmente registrada no álbum mais depressivo de Neil Young, On the Beach (1974). A letra diverge das temáticas anteriores, trazendo um azedume cáustico típico do cantor canadense, um cenário enuviado e deposto de purpurina: “Todos os marinheiros e suas namoradas chatas/ Ouvem as sereias na praia/ Cantando canções para os cafetões/ Que cobram dez dólares a entrada.” 

De todo modo, a versão de Robert Plant e Saving Grace, com Suzi Dian à frente da canção, é arrebatadora. Além disso, o solo de violoncelo de Barney Morse-Brown ressuscita o espírito do arco de violino de Jimmy Page — acreditem — evocando a atmosfera eternizada no filme The Song Remains the Same. Claro, trata-se de uma alegoria, um elemento que empresta os peculiares contrastes de luz e sombra explorados com maestria pelo Led Zeppelin e por um dos representantes deste legado. 

E, falando na besta do hard rock, “Friends”, outra das favoritas de Plant, também soa totalmente ajustada a esse repertório. No bis, “Everybody’s Song”, da banda americana Low, traz um sabor de rock and roll feito para a geração atual. Mas, na contramão de tudo, ao final voltamos aos álbuns Led Zeppelin III e IV, com “Bron-Y-Aur Stomp” — a mais festiva das músicas da fase folk do grupo — sendo mesclada ao clima cinzento de “Black Dog”.

Como um velho eremita, Robert Plant parece ter cada vez menos pressa, assoprando os fantasmas de sua outra encarnação — ora desdenhando-os, ora redesenhando-os com novas feições. É aí que reside a grandeza do artista: Plant não bate mais o martelo com força, mas com um refinamento invejável. Talvez tenhamos assistido ao melhor show internacional de 2026. 

Agradecimento especial a Gustavo Telles, por ter me proporcionado o segundo encontro com um dos meus ídolos maiores.

LYNYRD SKYNYRD - PORTO ALEGRE, 7 DE ABRIL DE 2026

| Foto: Laura Aldana |

| De Porto Alegre, Márcio Grings Fotos Laura Aldana | 

Quando uma mentira é repetida muitas vezes, pode se vesti-la com uma fatiota aparentemente legítima. Num mundo em que a verdade escorre como chuva repentina, uma das bandas da era clássica do rock setentista pisa, enfim, em solo gaúcho. A missão da trupe: nos seduzir, convencer de que nem tudo é uma farsa.

O Lynyrd Skynyrd é a Coca-Cola do southern rock, uma daquelas bandas que fazem parte do abecedário do som feito nos anos 1970. Todos nós — em dado momento — já bebemos um gole dessa bebida. Tê-los por aqui, mesmo com o delay gigantesco, e sem nenhum integrante da formação clássica, não deixa de ser um ato celebrativo.

Foto: Laura Aldana 

A formação que pisa no palco do Araújo Vianna (lotado!) reúne Johnny Van Zant (vocal, desde 1987), Rickey Medlocke (guitarra — um dos fundadores do Blackfoot e integrante honorário do Skynyrd nos anos 1970, retornando em 1996), Mark “Sparky” Matejka (guitarra, desde 2006), Keith Christopher (baixo), Peter Keys (teclados, desde 2009), Michael Cartellone (bateria, desde 1999), além das backing vocals Carol Chase e Stacy Michelle.

Pelo ponto de vista dos fãs, o setlist é impecável. A história do grupo é contada por meio de canções presentes no imaginário de várias gerações, em arranjos que colam ao máximo nas gravações de estúdio ou reprisam versões ao vivo que se aproximam daquilo que conhecemos do álbum "One More for the Road" (1976). Há também um belo trabalho de restrospecto nas imagens do telão, revivendo os personagens construtores desse legado. Sob o viés do saudosismo, tudo o que ouvimos mantém os fãs nas nuvens. A banda, suas execuções e reprises, são impecáveis. Aquela cena clássica dos guitarristas enfileirados à frente do palco, coreografando com os braços dos intrumentos alinhados, prosperou com o Lynyrd Skynyrd, uma das primeiras bandas a utilizar três guitarristas no palco. Tivemos esses momentos na noite passada. A pergunta é: será que precisa tanta volume?

Foto: Laura Aldana

Vamos a um ponto nebuloso da noite: a bandeira dos EUA como adereço permanente no palco — nas mãos de Johnny Van Zandt e em seu pedestal — provoca desconforto. A banda cultiva um orgulho sulista ligado a valores reacionários, ao direito ao porte de armas e a temáticas conservadoras. Enquanto isso, o Trumpismo vomita uma retórica de guerra: ameaça-se hoje com truculência, negocia-se amanhã com pesos e medidas ambivalentes. O cessar-fogo anunciado na guerra contra o Irã não dissipa a sensação de que um barril de pólvora está prestes a explodir. Difícil engolir esse americanismo em muitos contextos, no que tange a esse ponto de vista musical e artístico, aí nem se fala. 

Foto: Laura Aldana 

Voltemos à luz. Canções como "What's Your Name", "That Smell", "Saturday Night Special" e "The Needle and the Spoon" funcionariam em qualquer tempo para um bom amante do rock setentista. E, quando o guitarrista Rickey Medlocke dispara o riff característico de "Down South Jukin'", um dos melhores momentos da noite se deflagra. No telão, imagens dos brejos e paisagens do Sul mítico tão enaltecido pelo grupo. Essa foi a música escolhida para abrir um dos melhores discos do Lynyrd pós-retorno — "Endangered Species" (1994) —, um álbum acústico que revelou uma banda que ainda tinha lenha para queimar. E dá pra perceber essa fome de bola em cada música ouvida no Araújo.

Foto: Laura Aldana 

Ao enfileirar duas falsas-baladas como "Tuesday's Gone" (que rende homenagem a Gary Rossington, falecido em 2023, último membro da formação clássica) e "Simple Man", a banda lança cartadas de mestre — público na mão, e o coro nos refrões ganha o apoio de milhares de vozes e celulares registrando tudo. Em "Call Me the Breeze", releitura do Lynyrd de um clássico de J.J. Cale, o volume aumenta de forma considerável. Os ouvidos do vovô doem. Uma pena que o mesmo ocorra em "Sweet Home Alabama" — excessos que talvez incomodem apenas o autor desta resenha e mais meia dúzia. A plateia está em êxtase.

Foto: Laura Aldana 

No bis, a homenagem final em "Free Bird" recai sobre o saudoso Ronnie Van Zant — ora em uma filmagem sua falando à câmera, ora em um trecho cantado, sincronizado à execução ao vivo. Em outros momentos, a reverência se amplia: surge no telão a capa do álbum "Pronounced ‘Lĕh-‘nérd ‘Skin-‘nérd" (1973), marcada pela ausência de todos os seus integrantes originais, seguida de uma lista abrangente de músicos da banda que também já partiram.

A bandeira yankee foi hasteada em outro sul, bem mais ao sul de onde tudo começou para eles. E todos saíram sorrindo do Araújo Vianna. Essa é a mais pura verdade.  

Cobertura: Grings Tours | Quando o Som Bate no Peito. Review: Márcio Grings. Fotos: Laura Aldana. Agradecimento: Renata Gomes, credenciamento, suporte e assessoria.  

Lynyrd Skynyrd

Porto Alegre, 7 de abril de 2026

1. Workin’ for MCA
2. What’s Your Name
3. That Smell
4. I Need You
5. Gimme Back My Bullets
6. Down South Jukin’
7. Saturday Night Special
8. Still Unbroken
9. The Needle and the Spoon
10. Tuesday’s Gone
11. Simple Man
12. Gimme Three Steps
13. Call Me the Breeze
14. Sweet Home Alabama

✦ Bis ✦
Free Bird

Foto: Laura Aldana 

GLENN HUGHES - PORTO ALEGRE, 11 DE NOVEMBRO 2025

| Foto: Laura Aldana |

| Por Márcio Grings Fotos Laura Aldana |

Ah, Glenn! Qualquer um que tivesse vivido metade do que você viveu — drogas, estrada, glória, sexo, ressaca, purgatório — já estaria por aí, se arrastando, cantando versões pálidas de si mesmo com uma asa quebrada. Mas não: você continua com aquele olhar de quem detém algo sagrado, quase sobre-humano. Muitos de sua estirpe tombaram pelo caminho ou não são mais sombra do que já foram. Glenn, aos 74 anos, não apenas permanece em pé — ele tira onda. Dificilmente há outro igual. O clichê é inevitável: o criador fez a forma e quebrou o molde. E sim, é verdade — a voz desse inglês danado de bom continua intacta, nas nuvens, como se o tempo tivesse decidido poupá-la.

 Foto: Laura Aldana 

Setenta e quatro anos! Ah, vai! O vi pela primeira vez aos 66 e hoje ele está ainda melhor. O sujeito entra no palco como se tivesse vinte e quatro e o mundo inteiro o desconhecesse. Comendo a bola, cá temos Glenn, o pirata em busca da próxima conquista. Magro, dentes de porcelana, de óculos púrpura e calça de skatista. A camiseta homenageia... Prince. Nada mais justo, outro artista raro. O sorriso nunca se desmancha. A voz? Intacta. O som que sai da garganta empurra o tempo — uma vingança pessoal contra a ordem das coisas. E como ele agradece ao seu público. Todos somos gratos por mais uma noite. Afinal, essa pode ser a última? 

 Foto: Laura Aldana 

No Opinião, em Porto Alegre, Hughes transformou o palco em parque de diversões. Nem mesmo o fato de ter a bagagem extraviada na chegada ao Brasil parece ter azedado o humor do grupo. Tocando com um backline emprestado por músicos da capital, pela quarta vez no Opinião, Glenn Hughes (baixo e voz) se apresentou ao lado de Søren Andersen (guitarra), seu fiel escudeiro há 16 anos e coprodutor do último álbum, e de Ash Sheehan (bateria). Um trio, de forma circular ele volta ao início, como tudo começou ainda no final dos anos 1960.

 Foto: Laura Aldana 

A primeira do set foi Soul Mover — um soco na boca do estômago. Muscle and Blood veio logo depois, lembrando a todos o que é groove pesado sem precisar de autotune ou nostalgia barata. Quando atacou Voice in My Head, do novo disco, o refrão já estava na garganta do público. Ele sorriu ao perceber. Glenn se diverte — canta como se estivesse rindo da própria lenda que construiu em torno de si. Entendam: Glenn é um cantor de soul, apenas usa o hard rock pra enganar a torcida. 

É inegável: muita gente ainda vai ver Glenn Hughes pra matar saudade do Deep Purple — o som que moldou uma geração. Mas o homem há muito deixou de ser apenas o ex-baixista dos tempos dourados. Glenn é um corpo em combustão contínua, um satélite que risca o céu do rock com luz própria.

 Foto: Laura Aldana 

No palco, ele faz questão de deixar isso claro — canção a canção, pausa a pausa. Explica, provoca, traduz na linguagem da música, nos convida a partilhar essa viagem. E fez muito, gravou demais, de tudo e com todos. Glenn se apoia no passado mas reescreve o presente. Quando ele fala, há um respeito quase litúrgico, uma troca que transcende o idioma. O público entende tudo. Ele diz que nos ama milhares de vezes. Deve dizer isso pra todos! Quem não se permite ser enganado num momento de paixão?

E então, Trapeze. Way Back to the Bone e Medusa: "meu primeiro amor", diz. Ele fala da casa da avó, da cozinha onde compôs suas primeiras músicas, aos 17 anos — e a gente começa a entender aonde ele quer chegar. O garoto ainda está ali, escondido sob as rugas, segurando o baixo como quem pilota uma máquina do tempo. Quebração. Mel Galley e Tom Holand são citados várias vezes. O fantasma deles sobrevoou o palco. 

Também relembra a parceria com o amigo Tony Iommi, com quem dividiu um álbum em 2005 (também gravou Seventh Star, como um dos Black Sabbath, em 1986). Glenn pode misturar tudo: Led, Purple e Sabbath — há conexões diretas e indiretas com a tríade sagrada. Duvida? O medley Grace/Dopamine deixa a audiência em transe, boquiaberta.

 Foto: Laura Aldana 

E então vem Mistreated. Um clássico do Deep Purple que o próprio Purple não toca — azar deles. O teto do Opinião ameaça cair. Nunca vi nada parecido. A música se estende, dobra, se desfaz, explode e vira silêncio... renasce à capela, como se estivéssemos de volta aos anos 1970, Made in Europe, quando o rock estava no topo.

No bis, ele volta sozinho com o violão. Coast to Coast, minimalista e atonal, mostra que as estranhezas melódicas e a forma de cantar e compor são únicas. E como canta! De volta ao power trio, Black Country vira pista livre para o poderio sonoro. O clima de jam session é a bola da vez. Entre o vai e vem, até Søren Andersen ri, incrédulo, a cada agudo que Hughes dispara, a cada virada impossível que ele inventa na hora. A despedida não poderia ser outra, Burn, ardendo como brasa com sabor de despedida, uma das marca definitivas da formação MK3.  

 Foto: Laura Aldana 

Chamam de “turnê de despedida”, mas não é droga nenhuma. Quem pode ser enganado? Isso é golpe de marketing pra cutucar preguiçosos em seus sofás e os malditos adeptos de churrascos com trilha-sonora via caixas bluetooth. Nada se compara a ver um dos grandes ao vivo. E vamos lá, deixo claro — não me venham com turnês de despedida. Hughes não está se despedindo de nada. Ele ainda quer tudo. É do tipo que só vai parar quando o corpo não responder mais.

Enquanto os velhos heróis se aposentam (alô Coverdale e Tyler), Glenn continua ali — chutando poeira e cuspindo fogo, lembrando que o rock ainda está bem das pernas na sua carcaça. Glenn Hughes é uma rocha inquebrantável. Rola pra caramba, mas não se deteriora. To be a rock and not to roll, esse homem atravessou as tempestades, enfrentou os excessos like a rolling stone, mas ainda permanece sólido, íntegro, fiel a si mesmo — mesmo quando o mundo à sua volta se desconfigura. Me disseram: ele tem a senha e não entrega a ninguém. 

Outra vez, a lenda fez jus à lenda. E o vimos em seu melhor momento. Porque, sim — aos 74 anos, Glenn Hughes ainda é a voz do rock. Não foi? Azar o seu!

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Cobertura: Grings Tours | Quando o Som Bate no Peito. Review: Márcio Grings. Fotos: Laura Aldana. Agradecimento: Homero Pivotto Jr (Abstratti), credenciamento, suporte e assessoria.

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Foto: Homero Pivotto Jr

THE PRETENDERS - PORTO ALEGRE, 18 DE MAIO DE 2025

| Foto Laura Aldana |

| Por Márcio Grings Fotos Laura Aldana |

Final de domingo, uma chuva fina cai sobre Porto Alegre. A pé, cruzo a Avenida Osvaldo Aranha em direção ao Araújo Vianna, no caminho, um sujeito em situação de rua, deitado em frente a uma loja, levanta a cabeça do colchão e me pergunta qual é o show da noite. Ao ouvir a resposta, ele me grita enquanto atravesso a avenida:  

— Pede pra Chrissie tocar Don't Get Me Wrong, diz o sujeito tomado por uma euforia momentânea. Nunca menospreze o poder de um hit, penso. 

Foto: Laura Aldana

Quase uma década após a primeira vinda ao Rio Grande do Sul — quando fez o show de abertura para Phil Collins no Beira-Rio em 2018 — leia review AQUI — os Pretenders, banda criada por Chrissie Hynde, pisa pela quarta vez em solo brasileiro. Assim como naquele ano, ainda me sinto motivado em vê-los ao vivo. Afinal, a líder deles é um dos peixes grandes do rock. O atual status comprova que o grupo ainda está no jogo. A fila andou e o tempo foi generoso para os Pretenders. Na estrada desde 1978, Hynde acaba de celebrar 45 anos do autointitulado LP de estreia, lançado em janeiro de 1980. A atual gira, a Latin America Tour, já passou pela Cidade do México, Santiago, Montevidéu e Buenos Aires.  

Foto: Laura Aldana

Atualmente, como headliner, os Pretenders se apresentam em casas de espetáculo e teatros menores, um território onde Chrissie se sente à vontade: “Pessoalmente, não consigo curtir um show de três horas. Prefiro ver a banda de perto ao invés de assisti-la pelo telão. E da minha posição, como artista, gosto da possibilidade de poder enchergar os espectadores com meus próprios olhos”, disse em entrevista. “Poderíamos estar tocando em lugares maiores, ganhando mais dinheiro e conquistando mais prestígio. Contudo, não damos a mínima para essas coisas”, complementa. Quem a acompanha ao longo dos anos sabe, Chrissie não mede as palavras e,  além de seu ativismo em prol dos direitos dos animais e questões ambientais, a vocalista ainda vê no rock e no seu métier um instrumento de revolução ao modelo do Século XX. 

Foto: Laura Aldana

O fato é que os Pretenders estão na estrada com um dos melhores shows de rock da atualidade. O setlist mescla canções de nove dos doze álbuns lançados em quatro décadas e meia de atividade, e ainda promove um avant-première de “Kick ‘Em Where It Hurts – Live”, disco ao vivo que será lançado em junho. A formação que está no novo registro é a mesma que vem ao país. Além de Chrissie Hynde (voz, harmônica e guitarra), o grupo apresenta armas na Latin America Tour com James Walbourne (guitarrista e grande parceiro de Hynde nas composições), Dave Page (baixo) e Rob Walbourne (bateria). O trabalho de estúdio mais recente, "Relentless" (2023), é uma confirmação de que o grupo vive essa ótima fase, assim como os anteriores, "Hate For Sale" (2020) E "Alone" (2016).

Foto: Laura Aldana

O SHOW

Araújo Vianna, 3 mil pessoas saíram de casa num domingo de tempo instável para assistir a atual encarnação do grupo. 20h15, banda no palco, aos 73 anos, Chrissie Hynde mantém sua silhueta esguia, sombra nos olhos e o cabelo vermelho desgrenhado com estilo, os penduricalhos, calça jeans com botas de couro que sobem acima do joelho. A capa de "Freak Out" (1966) de Frank Zappa & The Mothers estampa a camiseta da cantora, um aceno à transgressão de um dos grandes guitarristas da história. A mistura de rock clássico, pós-punk, new wave e pop é a cartilha do som dos Pretenders, porém, nos últimos álbuns, há sínteses e subtrações dessa fórmula. A exemplo, nas canções recentes, encontramos ótimas letras, menos doçura e mais agressividade musical.  

Foto: Laura Aldana

Desse modo, inicialmente destituído de uma intenção pop, o show abre com uma das novas, "HATE FOR SALE", que diz: "Dinheiro no banco e cocaína no bolso/ Pornô o dia todo (...) Implante dentário/ Oh, ele vai à academia/ Peito depilado", é um retrato crítico, punk e turbulento do macho idiota propagado nas redes e nos dias de hoje. “Estou descartando um repertório só de hits. Eu nunca quis ir para essa direção, mas precisava me manter viva e pagar as contas. Se alguém quiser me assistir no futuro, vai ser punk rock/sem sucessos”, declarou Chrissie. O show tem esse contraste: um vai e vem entre o pop e o anti-pop. "TUFF ACCOUNTANT DADDY", mais uma do último álbum, mantém a corda esticada. James Walbourne arrepia no solo e mostra porque é o melhor guitarrista que já passou pelos Pretenders — "Queria cortar as mãos dele", disse Jeff Beck a Chrissie Hynde, ao visitá-la no back stage de uma apresentação do grupo em 2017. Hoje, Walbourne é parte do organismo vivo que o grupo se tornou. 

Foto: Laura Aldana

"KID" é a primeira que nos leva direto ao cânone do pop rock dos anos 1980. Ela ainda é uma das minhas cantoras de rock favoritas, dona de um contralto flutuante e sempre expressivo. A maneira como Chrissie ondula cada linha vocal – aquele trêmulo característico – é sublime. O timbre é inconfundível, e não há nenhuma subtração nessa entrega, apesar da líder da banda já ter passado dos 70 anos. "MY CITY OF GONE", de "Learning to Cry" (1984) foge da risca Greatest Hits. É um aceno a cidade natal de Hynde, como ela anuncia antes de tocá-la, conectando sua história com qualquer pessoa que tenha deixado para trás sua terra, emprestando aquela sensação de nostalgia e perda.

Foto: Laura Aldana

Antes de tocar "THE BUZZ", Chrissie avisa ao público que essa missiva tem endereço: é uma homenagem a Johnny Thunders, lendário guitarrista do New York Dolls. É também uma das melhores músicas do rock and roll feitas neste século, detentora das credenciais que forjaram o grupo. E mesmo que James Walbourne não tivesse nem nascido quando os Pretenders surgiram (ele veio ao mundo no que o primeiro LP foi lançado), sua guitarra tem o som dos Pretenders.

Dentro do preset do show, há passeios por vários estilos — "PRIVATE LIFE" (reggae), "BOOTS OF CHINESE PLASTIC" (psychobilly) e o rock dos anos 1950 repaginado com tintas oitentistas impregna "THUMBELINA". Não à toa, a capa do próximo álbum recicla uma iconografia clássica de Elvis (que o Clash chupou em London Calling), assim como Chrissie aparece em fotos de divulgação com uma imagem do Rei do Rock na sua camiseta. "TALK OF THE TOWN" é puro saudosismo, mas soa novinha em folha nessa noite no Araújo.  

Foto: Laura Aldana

"BACK ON A CHAIN GANG" é uma canção assinatura que até os hereges conhecem e se juntam ao coro. Os malditos celulares se elevam e a massa faz seus registros para as redes sociais. O bloco punk retorna com "DON'T CUT YOUR HAIR" e a ótima "JUNK WALK", retrato da atual cruzada ruidosa do grupo. Além disso, letras cheias de ironia como "LET THE SUN COMES IN" são a marca da safra mais recente (e bem aceita prlo público), com James destrinchando sua guitarra nas bases e solos. E Chrissie não se furta de deixar o seu menino dos olhos brilhar. Bem, se alguém veio até aqui para os hits (e o Pretenders tem alguns) "DON'T GET ME WRONG" satisfaz essa parcela do público no Araújo Vianna (e o meu camarada homeless a ouve na sua cabeça), pois temos aqui uma das músicas mais conhecidas do grupo no Brasil. Lá se erguem os celulares. 

Foto: Laura Aldana

"TIME THE AVENGER" bota fogo no parquinho e a releitura de "FOREVER YOUNG" empresta uma beleza magnânima e quase introspectiva. Se você não viu Chrissie cantando “I Shall Be Released” em 1994 no Bob Fest, corra até o YouTube, ela canta Dylan com propriedade e pode até errar a letra (a cantora gravou um álbum apenas com canções do bardo). Se "NIGHT IN MY VEINS" é um som moldado para as FMs dos anos 1990, "MIDDLE OF THE ROAD" (com direito ao coro atento do público) é uma pedra de quebrar vidraça, com Chrissie levantando o público com o solo de harmônica empapado de distorção e atitude, mote final para que a banda deixe o palco ovacionada pela plateia.  

O bis começa com dois clássicos, "MESSAGE OF LOVE" e a sempre bem-vinda releitura dos Kinks "STOP YOUR SOBBING", assim como “TATTOED LOVE BOYS", um antigo flerte com o pós-punk. No segundo bis, "I'LL STAND BY YOU", com Chrissie sem a guitarra e cantando como crooner, emociona e mostra o poder de uma canção pop que ultrapassou o tempo e segue batendo forte. Nem precisaríamos ouvir "PRECIOUS" e "MYSTERY ACHIEVEMENT", um último sopro de resistência ao lado mais indomado do quarteto no palco, mas esse final passa um recado: os Pretenders começam e terminam seu show ondulando na turbulência do rock, sempre com autenticidade e rebeldia. A cola de tudo está no pop e na força do hit, uma fórmula invocada pelos grandes. Afinal, nem todo mundo tem um sucesso pra chamar de seu. A apresentação no Araújo Vianna foi a mais longa até agora na Latin America Tour, com 24 músicas, prova de que esse encontro foi especial. 

Na saída, de volta pra casa, reencontro o sujeito em situação de rua e digo que os Pretenders tocaram “Don’t Get Me Wrong”. O pobre homem, escorado na parede e fumando um cigarro imaginário, abre um sorriso gigante. Nunca subestime o poder de um hit... Da Capital gaúcha  o grupo segue para Curitiba (20), Brasília (22) e São Paulo (24). Cobertura: Grings Tours | Quando o Som Bate no Peito. Review: Márcio Grings. Fotos: Laura Aldana. Agradecimento: Paulo Finatto (Opinião Produtora), credenciamento, suporte e assessoria.